Emma Donnersberg: «Non riproduco la natura, la traduco»

«Non riproduco la natura, la traduco.» La frase potrebbe passare per un'eleganza da cartella stampa. In Emma Donnersberg descrive un metodo: un fungo, una nuvola, una pietra levigata dall'acqua non sono motivi da rappresentare, sono problemi di costruzione da risolvere. La sua galleria è in rue de Verneuil, nel 7° arrondissement.

Tre mestieri, un solo lavoro

Architetto d'interni, designer di mobili da collezione, gallerista: la maggior parte dei professionisti tiene separate queste attività, o ne fa carriere successive. Donnersberg rifiuta la distinzione e sostiene che ogni disciplina rivede di continuo le altre. Formatasi in architettura d'interni a New York, ha passato un decennio su residenze private, ristoranti e alberghi prima di virare, nel 2017, verso il mobile da collezione.

Il passaggio ha prodotto un andirivieni che lei descrive con precisione. I suoi progetti d'interni le hanno dato il pensiero spaziale che oggi fonda i suoi mobili: come un pezzo sostiene un corpo, come la luce corre su una superficie, come un solo oggetto può dare il tono a un intero spazio. Al contrario, disegnare pezzi da collezione — dove una forma deve reggersi da sola, senza muri a completarla — ha cambiato il suo modo di concepire gli interni. «Ora lavoro tanto a partire dall'intenzione e dalla forma quanto dalla funzione», dice.

La natura come grammatica, non come decoro

È il punto che distingue il suo lavoro da un'estetica organica come tante. La natura interviene non come tema ornamentale ma come un corpus di principi formali — crescita, asimmetria, movimento, logica strutturale — che si possono studiare e applicare come un architetto studia la proporzione. Il cappello di un fungo diventa una domanda: dove si colloca il peso, perché una forma asimmetrica può sembrare più stabile di una simmetrica. I pezzi che ne nascono sono scultorei prima, decorativi poi.

Ne fa anche un argomento critico: la vita contemporanea tiene le persone a distanza dalle forme naturali che hanno plasmato la percezione umana per gran parte della sua storia, e i suoi pezzi tentano di reintrodurne il vocabolario nello spazio domestico. Non come evasione, precisa, ma come una disciplina formale leggibile da chiunque abbia già osservato una pianta crescere o una pietra erodersi.

Quattro collezioni, una sola indagine

ORGANIKA, iniziata nel 2017, è il punto di partenza: i tavolini Mushroom, in ceramica e bronzo, isolano la logica essenziale dell'oggetto — un cappello, un gambo, un punto di equilibrio — e la trattano con la sobrietà di uno studio. Gli sgabelli Cèpes, torniti a mano in Portogallo, spingono la stessa ricerca verso l'astrazione.

CLOUD, sviluppata dopo il suo ritorno a Parigi nel 2022, quando ha trasformato il proprio appartamento in atelier, estende il vocabolario dell'oggetto isolato a un registro domestico completo: sedute, specchi, applique, tavoli. Il divano Wave e le sedie Cloud traducono in volume imbottito i bordi indeterminati di una formazione nuvolosa; gli specchi e le applique Nuage, in bronzo e legno laccato, portano la stessa geometria addolcita sui punti fissi della stanza. Il tavolo Galet, in rovere o noce e pietra tagliata a mano, segna il passaggio a un mobile più architettonico, fatto per organizzare una stanza più che per occuparne un angolo.

DELHI, presentata nel 2026, cambia riferimento senza cambiare metodo: là dove le prime due collezioni partivano dalla forma organica, questa si rivolge all'architettura e reinterpreta il Forte Rosso, la Porta dell'India e il Taj Mahal. La poltrona Arcus, lo specchio Kerala, il divano Marigold, le sedie Rainbow, la chaise longue Jaipur mantengono il vocabolario organico e le finiture a mano, ma la domanda si è spostata: dall'intelligenza della crescita naturale al posto dell'uomo nella creazione.

RIBBON, presentata nel corso del 2026, cambia registro attraverso la materia. Dopo la ceramica, il bronzo, la pietra e il legno, la collezione è concepita in acciaio inossidabile: panca, dormeuse, tavolino e console nascono da un'unica linea continua che si avvolge, torna su se stessa e si posa come farebbe un nastro lasciato a trovare il proprio equilibrio. La materia è più dura e più industriale di tutto ciò che precede, la logica è immutata: il movimento prima, l'ornamento poi. La linea non decora l'oggetto, è l'oggetto.

«L'artigiano porta metà della responsabilità»

È la parte del suo metodo che più interessa chiunque guardi i prezzi del mobile. I suoi pezzi sono sviluppati con ceramisti, fonditori di bronzo, scalpellini e laboratori del legno in Francia, Italia e Portogallo — tra loro la ceramista Karen Swami, lo scultore Abel Cárcamo, l'architetto Michel Amar. Ogni materiale è scelto per una competenza precisa e non per una finitura generica: marmo e travertino italiani, ceramica tornita a mano in Portogallo, bronzo patinato francese, rovere sabbiato e sbiancato, onice, pietra lavica.

La scelta dell'atelier è inseparabile dal disegno: un pezzo concepito per la ceramica non può essere semplicemente rifuso in bronzo senza diventare, di fatto, un altro oggetto. «L'artigianato è un dialogo, non un processo produttivo», dice. «Gli artigiani con cui lavoro portano metà della responsabilità del risultato.» Da qui una conseguenza visibile a occhio nudo: l'irregolarità è conservata anziché corretta. Una base tornita a mano, un bronzo che prende la patina in modo diseguale, una venatura di pietra trovata e non scelta — ciò che altrove verrebbe normalizzato qui diventa la prova che l'oggetto è stato fatto da qualcuno.

La galleria, e perché esiste

Donnersberg ha aperto la sua galleria al 60 di rue de Verneuil, a Saint-Germain-des-Prés, nell'ottobre 2025. La decisione ha seguito diversi anni di curatela informale: con A date with art, una serie di ritratti filmati negli atelier di pittrici — tra cui ATSOUPÉ e Marcel·la Barceló — sperimentava già in pubblico il tipo di dialogo che la galleria oggi formalizza.

Il principio è semplice e raro: i suoi stessi mobili sono esposti con i dipinti alle pareti, così che ogni mostra funzioni come una stanza dove due discipline devono condividere lo spazio e affilarsi per contrasto. L'ultima, The Mystic Hunt, presentava i dipinti di Isabella Vella — pigmenti raccolti, inchiostro, gesso, immaginario medievale e folklore — accanto a pezzi delle collezioni DELHI e RIBBON.

Durante la Design Week

Per la Paris Design Week, la galleria presenta le collezioni RIBBON e DELHI — l'acciaio che si avvolge e l'architettura indiana, le due più recenti — accanto a pezzi emblematici della collezione permanente. Abbastanza per vedere, in un'unica stanza, la strada percorsa dai funghi di ORGANIKA. La galleria è aperta dal lunedì al venerdì, dalle 10 alle 18, e chiusa nel weekend: durante il OFF, è un indirizzo che si pianifica.

Come arrivarci

Galerie Emma Donnersberg — 60 rue de Verneuil, 75007 Paris. Dal lunedì al venerdì, dalle 10 alle 18, chiusa nel weekend. La galleria ha aperto nell'ottobre 2025 e mostra il mobilio della casa insieme ai dipinti esposti. Da segnare per il futuro: nell'ottobre 2026, a Design Miami Paris, Donnersberg presenta una serie di sculture-funghi in ceramica, uniche, negli spazi esterni dell'Hôtel de Maisons — un ritorno, dieci anni dopo, all'oggetto che ha avviato la pratica, nutrito dai suoi viaggi in Africa.

Il gesto Beyit: fotografate un pezzo, scansionatelo — lo strumento vi dice se è in edizione, e cosa esiste in un solo esemplare.